*Baco y Ariadna
Este cuadro del maestro veneciano Tiziano Vecellio lo pintó entre 1522 y 1523 para decorar una casa de campo del duque de Ferrara Alfonso d’Este. Pero en la actualidad este óleo pintado sobre lienzo se encuentra expuesto en la National Gallery de Londres.
La escena mitológica nos muestra el momento en el que Ariadna, hija del rey cretense Minos, se encuentra con el dios del vino, Baco. Ambos reciben el flechazo del amor. Y Baco en símbolo de ese amor, lanza la diadema de Ariadna al cielo, convirtiéndola en una constelación.
Antes de eso Ariadna había sido abandonada por Teseo, tras haberle ayudado a escapar del Minotauro y su laberinto. De forma que vagaba sola por la isla de Naxos, hasta que halló a Baco. Aquí esa pasión que surgió se materializa por medio de la tensión que plantean las líneas y colores del cielo entre los ojos de Ariadna y Baco. Además de que el rostro siempre joven de Baco transmite todo su apasionamiento.
Por cierto, es una escena en la que vemos toda la corte que acompañaba a ese dios. Allí está su sirviente, el portador del vino, cargando con una tinaja a los hombros. También está el carro tirado por panteras transportaba al dios. Si bien aquí, Tiziano pintó leopardos, que como Baco y Ariadna se dirigen sus propias miradas cómplices.
Y es que a Tiziano le gustaba incluir elementos secundarios que le servían tanto para reforzar el mensaje principal, o en ocasiones para distraer. De hecho, aquí también se ve a la representación de Ecos, una ménade que igualmente mira apasionada a uno de los sátiros.
En definitiva, la imagen es todo un compendio de los episodios mitológicos grecorromanos, porque aparece también al fondo Sileno, un viejo gordo y dormilón que sería el jefe de los sátiros y padrastro de Baco. O hay más ménades con sus instrumentos musicales. O está Laocoonte luchando con la serpiente. Igualmente en la parte central inferior se ve una cabeza de ternero decapitado. Lo cual era parte de los rituales báquicos. Algo de lo más truculento, pero que aquí se suaviza con el nacimiento de una flor de alcaparra que surge entre los restos del animal, como símbolo del amor que ha surgido en ese momento.
Todos estos personajes y símbolos puede parecer que están amontonados en el lienzo, pero sin embargo hay una estudiada composición que los ordena. El eje de la misma es Baco, dejando toda la zona derecha a su corte y la izquierda a su amada y la relación amorosa entre ambos. De hecho, el centro mismo de la tela es la mano de Baco, de manera que sus pies siguen en la zona de sus seguidores, mientras que su cabeza y su corazón ya se ha unido a Ariadna, con quién acaba casándose, lo cual le otorgaba a la muchacha la inmortalidad.https://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiM3sz2k-7YAhUM8RQKHeStDZ8QjRwIBw&url=https%3A%2F%2Farte.laguia2000.com%2Fpintura%2Fbaco-y-ariadna-de-tiziano&psig=AOvVaw1YMJlSLbpu2eAA5mqESe0l&ust=1516799317292989
(Pieve di Cadore, actual Italia, h. 1490 - Venecia, 1576) Pintor italiano. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione.
La concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como resulta evidente en todas sus obras de juventud, y muy especialmente en la enigmática alegoría Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. Con anterioridad había colaborado con Giorgione en la realización de los frescos de la fachada del Fondaco dei Tedeschi y había realizado en Padua los Milagros de San Antonio para la Scuola del Santo. No tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y fue nombrado, en consecuencia, pintor oficial de la República.
Aunque sus obras más conocidas y admiradas en el presente son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, como La Asunción o el Retablo Pesaro para Santa Maria dei Frari. Son obras de composición enérgica que muestran una gran vitalidad. Los mismos esquemas dinámicos se repiten en las obras mitológicas de este período, como La bacanal o Baco y Ariadna. Por entonces, Tiziano se reveló también como un gran retratista, con obras como el llamado Ariosto, en las que establece un esquema nuevo: el protagonista aparece reproducido de medio cuerpo, con las manos visibles y unos rasgos reales pero idealizados, captados en ocasiones por medio de un golpe de intuición.
Hacia 1530 perdió a su esposa, y seguramente como consecuencia del impacto emocional que ello le causó, su estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados. Por entonces, la fama del pintor llegaba a todas las cortes europeas, lo que le permitió recibir encargos de Carlos I de España y Francisco I de Francia, monarcas a los que retrató en obras magistrales. Después del primer retrato de Carlos I, el emperador quedó tan entusiasmado con el arte de Tiziano que lo nombró pintor de la corte. También los príncipes italianos solicitaron sus servicios: para el duque de Urbino pintó la famosa Venus de Urbino, de una sensualidad nueva en el arte del Renacimiento.
Venus de Urbino (1539), de Tiziano
En 1545-1546, Tiziano, que sólo había abandonado Venecia en 1511 para trabajar en Padua, realizó un viaje a Roma que supuso el punto de partida hacia un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran trabajo subyacente. Entre 1548 y 1562 fue reclamado por Carlos I y luego por su hijo Felipe II, para quien, además de retratos, realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados por el propio pintor «poesías» por su carácter idílico y distante.
Su última obra documentada es la Piedad de Venecia, que presenta ciertas afinidades con el manierismo. La grandeza de Tiziano como pintor, su fama de artista inimitable y la gran influencia que ejerció sobre sus coetáneos y sucesores contrastan con su carácter de hombre avaricioso, que siempre se quejaba de ser pobre pese a las grandes riquezas que había acumulado, y que se servía en ocasiones del engaño para obtener ventajas. https://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi1yIi3k-7YAhWCOBQKHfK-BbUQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.museothyssen.org%2Fcoleccion%2Fartistas%2Ftiziano&psig=AOvVaw37UP3aOjfoGEV-pVog0oRN&ust=1516799140571813 La Virgen con el niño, Tiziano
CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA
https://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjsgoHNku7YAhWF8RQKHVP7A0oQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.biografiasyvidas.com%2Fbiografia%2Fr%2Frafael.htm&psig=AOvVaw1BWzqyiXROHaXHk3VDFNy2&ust=1516798956966650 La escuela de Atenas, Rafael
Autores destacados: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano.
La pintura se relacionará con el resto de las artes: arquitectura, escultura, música y hay una aproximación de la técnica pictórica a la escultórica.
El paisaje se hace más frío y natural, las personas entran a formar parte de él, incluso se llega a querer captar la atmósfera.
Los volúmenes se consiguen a base de contrastar de modo fuerte las luces y las sombras.
El dibujo no tiene tanta importancia y los entornos aparecen más difuminados, lo que permitirá situar mejor a las figuras en el ambiente.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA
https://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiAt-mIle7YAhWBORQKHdtlA4sQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.historiadelartemgm.com.ar%2Flapiedadmichelangelo.htm&psig=AOvVaw3COKuZiN2gvsryqVrUaru7&ust=1516799624254185 La Piedad de Miguel Ángel
Temas: religiosos, mitológicos, retratos, monumentos públicos y escultura funeraria.
Preocupación por la representación del cuerpo humano.
Pierde interés el relieve, la profundidad y el estudio de los volúmenes sobre plano.
Grandes esculturas de bulto redondo
Esculturas realizadas en bronce y, sobre todo en mármol.
Recuperación del desnudo y las representaciones heroicas y gigantescas.
Búsqueda de la grandiosidad y monumentalidad debido a las esculturas clásicas descubiertas en Roma.
Triunfo de la armonía y el equilibrio que ya se había avanzado en el Quattrocento.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA
https://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjshLXFlO7YAhWBtBQKHekaBpkQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fciberestetica.blogspot.com%2F2011%2F06%2Flos-12-edificios-7-la-villa-rotonda.html&psig=AOvVaw0mn5Vhk3eEwhmpV6079v9e&ust=1516799482643738 La Villa Rotonda de Palladio
Los principales arquitectos del Cinquecento son Bramante y Miguel Ángel, cuya producción se centra en Roma. En un segundo plano, estarían los arquitectos manieristas como Sansovino, Vignola y Andrea Palladio.
El Manierismo representa el talante de una época que colorea el lenguaje clásico y enriquece su vocabulario, invirtiendo deliberadamente las normas clásicas con el deseo revisionista de romper moldes y menoscabar la perfección clásica una vez alcanzada. Asimismo, el Manierismo replantea el problema de la escala como elemento arquitectónico, tanto en su concepción general como en su sistema de control tridimensional. Entre sus características destacamos:
-Los artistas de este período, dentro de la tendencia clasicista, se preocuparán de manera significativa por los efectos visuales.
-Rechazan las normas a favor de la libertad individual y de un concepto subjetivo de la belleza.
-Los conceptos de orden, armonía y proporción darán paso a la libre yuxtaposición de los elementos arquitectónicos. Se siguen empleando elementos clásicos(arco de medio punto, cúpulas, frontones, columnas clásicas,…) pero se combinan de forma caprichosa buscando la novedad.
En el segundo tercio del siglo XVI, se empieza a abandonar el equilibrio y la armonía de tendencia clásica, perdiendo el interés por la proporción y la serenidad, y centrando la atención en el decorativismo. Ello anuncia la crisis del Renacimiento y el inicio del manierismo que triunfará en Venecia.
Hay una tendencia hacia el Purismo: ausencia de ornamentación.
Se inspira directamente en los modelos clásicos, buscando la armonía, el orden y la proporción.
